14 de febrero de 2012

El Mastering como Proceso dependiente


Por Pablo Fernandez | Técnico en Diseño de Sonido en la Universidad ORT
pdfv89@gmail.com

Hay una conocida frase que dice que una canción o tema se termina cuando se abandona, lo que es cierto, hay muchas formas de variar lo mismo, de enfocarlo por otro lado, de mostrar distintos elementos.

Pero tener una idea fija o meta a alcanzar tambien es imprescindible, no es bueno tomar la frase mencionada como algo de lo que se irá improvisando a lo largo de la producción, quizás tenga buenos resultados improvisar, quizás no, pero lo que es claro en ese caso es que no se sabe a donde se quiere llegar.

Cuando se parte de la idea de grabar un disco son muchos elementos que se relacionan, composición, instrumentación, grabación, edición, mezcla, masterización, etc.. y cada uno de estos "escalones" nos llevan hacia un resultado, que deberia coincidir lo mas posible con el que teniamos en mente. Cada uno de estos "escalones" depende del anterior y del siguiente, incluso la composición, cuando se compone ya se esta pensando en los planos que los distintos instrumentos tendrán en la mezcla. Entonces lo mejor es darle a cada "escalón" su lugar correspondiente y no pensar en que el siguiente proceso puede arreglar lo que quedó flojo del anterior y seguir sumando de esta manera hasta dejar todo para que "lo arregle la masterización".

Entonces la pregunta es ¿qué es la Masterización?

Masterizar es un proceso o una serie de procesos que se realizan al master, es decir a la mezcla de las tomas. ¿Qué tipo de procesos? los que sean necesarios para lograr lo que se tenia en mente cuando se partió de la idea de grabar un disco. En otras palabras se lleva el disco a un nivel RMS parejo entre los distintos temas, se trabaja el espectro de tal manera de tener un balance en las distintas frecuencias, darle un ambiente y un sentido a el disco.

Esto no quiere decir que un disco tenga que tener las canciones parecidas o iguales, eso es algo que es parte de la composición. Discos como Revolver (The Beatles), Song in the key of life (Steve Wonder), Californication (Red Hot Chili Peppers), por citar algunos, tienen canciones que no son nada parecidas en estructura musical, armonía, melodia, pero son totalmente identificables al mismo disco.

Ese proceso es parte de la masterización, pero de nada sirve la masterización si las tomas no son buenas, si la mezcla no se entiende. Cada proceso debe alcanzar el resultado optimo en su instancia, no es parte de la masterización subir el bombo que quedo bajo en la mezcla, eso es parte de la mezcla, pero a su vez depende de la toma que a su vez es parte de la ejecución del músico. Lo que debería hacer la masterización en este caso es darle a las frecuencias bajas un criterio de equilibrio y ubicación en el espectro y en el nivel.

Como procesos en la etapa del mastering podemos tomar: Ecualización, compresión, ambiente (reverb), etc.. Tenemos por lo menos tres parámetros del sonido para esculpir: el espectro, el rango dinámico, y el espacio.

El ultimo parámetro es el que suele ser el mas notorio y es como la tercera dimensión en la canción, por ejemplo, Tin Pay Alley (Steve Ray Vaughan) es una muestra de lo que hace el reverb al dar la sensación de ambiencia, pero ¿por qué funciona? porque el tema esta tocado muy bajo pero está muy alto en la mezcla, entonces por momentos da la sensación de que es algo pequeño tocando en un lugar muy grande y por momentos algo grande tocando en un lugar mas grande aún. Entonces se pensó en la ejecución, la grabación y en la mezcla como procesos dependientes para lograr un resultado pensado. Lo que hizo el mastering en este caso fue equilibrar el espectro, el rango dinámico y crear por medio del reverb el resultado señalado anteriormente.

Otro ejemplo puede ser Axis: Bold as Love (Jimi Hendrix) donde la parte final es el master en un flanger paneado de un lado al otro entre los parlantes creando la textura fónica propia de la banda y del disco, ¿Qué estudiante de sonido o técnico poco experimentado va a pensar en poner un flanger al master?, eso depende de el resultado que se quiera, a lo que se quiere llegar, ese es el punto: escuchar el punto cuando no existe físicamente y tener las herramientas adecuadas para llegar.


"No existe nada ni nadie mágico que sea "lo mejor" para todas las situaciones, la capacidad del operador de decidir lo que es necesario hacer y de escoger la mejor combinación de herramientas, es mas importante que las herramientas utilizadas" - Gleen Meadows.

Entonces para tener un producto final de calidad, es imposible pensar en el mastering como el proceso que la dará la calidad. La calidad es el factor que reune a los músicos y al técnico en hacer bien sus tareas correspondientes. Lo que equilibra a los músicos y a/los técnicos es el productor, que muchas veces son los mismos músicos, los técnicos o se comparten. Lo importante para el resultado no es que haya "un productor" sino que haya una produccion, es decir una organización para cumplir un objetivo con los recursos humanos y materiales suficientes.

Ahora si nos centramos en el Home studio como punto de partida: se desprenden dos elementos  en la produccion de un disco con estas caracteristicas:

1) Falta de recursos materiales, sobre todo acústicos ya que es un estudio instalado en una casa (que se usa como casa no como estudio).
2) Poco presupuesto por parte de los músicos que van a grabar.

Ahora el otro punto es: tenemos estos equipos, esta respuesta acústica, estas canciones, esta instrumentacion, ¿qué debemos hacer?: Conocerla. Conocer es operar, saber sus limites, lo mejor y lo peor de cada equipo, de cada músico, de cada situación. Ya tenemos por donde empezar, a donde podemos ir y a donde es mejor no ir, lo que esta se escucha y lo que no esta no se escucha pero se percibe que falta. Ese es el arte de un diseñador de interiores, hacer que el cuadro colgado en la pared se vea pero que no se note que esta ahi, es el mismo arte del operador de sonido cuando graba, edita, mezcla, masteriza música: dividir el espectro y darle diferentes funciones, manipular el rango dinámico, darle una dimensión al sonido que no sea algo "sin vida".

Los errores que aparecen en las grabaciones de Home Studio son a causa de:

Principalmente:      
1) Desconocimiento de la respuesta acustica del recinto.
2) Mal operación de los procesadores.
3) Falta de un productor o producción

Estos errores se traducen en la mezcla como exceso o falta de distintas frecuencias o de componentes espectrales. Que hacen que lleve a entender que a una mezcla le falta brillo cuando en relidad lo que tiene es un exceso de graves por ejemplo.

El Home Studio 

Se entiende por Home Studio, el lugar (espacio) dedicado a la grabación de sonido. Como lo indica la palabra la traducción al español seria: estudio doméstico. Los home studio comenzaron a aparecer en la última década con el desarrollo de la tecnología digital y el bajo costo de equipos de audio. Las computadoras comenzaron a ser el soporte para las grabaciones, edición, mezcla, masterización, incluso para generar sonido.

En muchos casos hay músicos que para reducir costos graban en un home studio y lo llevan a masterizar a un estudio de mastering, invirtiendo la mayor parte del presupuesto en el último proceso. No se llega a la "calidad" al no ser por toda la cadena de procesos de calidad. El mastering no debería ser para corregir sino para distribuir el espectro y el rango dinámico, además de los procesos que le pueden dar otra "dimension" al sonido, como el reverb.

La falta de producción hace que no haya un control de lo que se va a grabar, se deja todo para corregir en la próxima etapa y sobre todo en el mastering que es donde se va a invertir mas dinero y tiempo. "El último 10% del trabajo se hace en el 90% del tiempo" Bob Katz 

Leyendo artículos de diferentes ingenieros de mastering todos coinciden en que el resultado optimo del mastering depende de una buena mezcla, hay casos en que llega la mezcla y solo la aprueban sin realizarle ningun proceso. Otros ingenieros tratan de usar el mastering como proceso de corrección y llevan la mezcla a un lugar que queda irreconocible por parte de los musicos. Todo es valido teniendo al final los resultados esperados. Pero hay que partir de la idea de que se quiere lograr para luego operar y procesar el audio en toda la cadena.

Hoy en dia la producción musical tomo distintos caminos en cuanto al formato, los consumidores, las ventas. El desarrollo de Internet permitió la difusión de músicos que graban en su home studio y que antes no serian difundidos al tener que invertir mas dinero en alquiler de un estudio de el que se invierte ahora comprando equipos para un estudio. El desarrollo de la tecnología digital dio en los plug ins buenos resultados en el procesamiento del audio, con simulaciones de equipos vintage y otros procesadores muy caros.

Un compresor como el Ditressor de la empresa Empirical Labs cuesta aprox. U$1700 mientras una versión en Plug in equivalente como puede ser el paquete (Modern compressor) de plug ins de la empresa Antress es gratis. La versión original del distressor en plug in (VHME) de Universal Audio necestia para funcionar una tarjeta UAD, lo que no solo desnativisa al proceso sino que elimina la piratería. Un Home studio básico tendría la versión gratuita del paquete de plugins de Antress. Lo que ahorra mucho dinero, pero da otros resultados.

Muchas veces en los home studio no solo hay una falta de recursos materiales de calidad sino también hay una falta de recursos técnicos, desconocimiento de las técnicas básicas de grabación, de la acústica de la sala, del oído y de el sonido en sí. La falta de producción lleva a una mala organización del tiempo y del objetivo. Entoces podemos optimizar los recursos técnicos para optimizar los recursos materiales, así la calidad del producto se verá beneficiada.

Optimizar la grabación en el Home Studio

Para sacar mejores resultados en un ámbito de home studio se debe organizar de la manera que lo haría un estudio profesional. Se comienza por conocer la pieza musical que se va a grabar, su instrumentación, estructura, etc.. y se hace una maqueta. De la maqueta tendremos no solo la guía sino la planificación de los tiempos y donde se grabara tal o cual instrumento. Nos dará una pauta de para donde llevar la producción.

Una vez que se define como sera el producto, se comienza por planificar como sera grabado, la textura fónica, la dinámica segun sus partes del tema, etc.. es conveniente usar una planilla que se entienda y confirmarla con los músicos para que esten todos de acuerdo y se ponga la mejor voluntad en las tomas.

Una vez hecha la maqueta y la planificación del tema se busca que información se quiere de cada uno de los instrumentos, si bien esto se puede hacer en la mezcla ¿por que dejar para despues lo que podemos lograr ahora? en la mezcla lo que podemos hacer es "pulir" si es necesario el proceso y hacer lo que es propio de la mezcla: dar los distintos planos a los instrumentos. Si utilizamos las tomas como definir que es lo que queremos de cada instrumento ya estamos pensando por adelantado en el resultado final. Evitaremos errores como el de tener un nivel excesivo de distintas frecuencias a causa de tomar señal que no nos sirve para lo que queremos lograr. Depende de cada caso. Si es una grabación de guitarra clásica donde solo hay un intérprete, es recomendable hacer una toma que contenga la mayor información posible, o en otras palabras que la toma sea fiel a lo que se escucha en la sala.

No pasa lo mismo cuando es una guitarra y voz, es recomendable distribuir el espectro y el rango dinamico de ambos de tal manera que la guitarra no le saque información a la voz en las frecuencias cercanas (sea por enmascaramiento, por defasaje, etc..). Es común en los músicos amateur que van a grabar un demo y que ellos se encargan de la producción o al menos de estar cuando se mezcla, de querer su instrumento en primer plano, escuchan su instrumento y no el resultado del conjunto, por lo que la mezcla termina conviertiendose en algo que seria lo mas parecido a escuchar un ensayo de la banda.

La organización es la parte fundamental en la producción, de allí es seguir el camino hacia el resultado final, siendo conciente en la etapa que se este en obtener el resultado por separado pero pensando en como será el conjunto.

La organización no solo se refiere a organizar las sesiones de grabación, la estructura del tema, sino a la organización del espectro y del rango dinámico. Lo mejor es analizar grabaciones tanto de calidad como amateur (para saber por donde no ir). Analizar discos desde su contenido sonoro mas que musical (aunque la relacion es directa) es aprender sobre organizar el espectro, el rango dinámico y el resultado en si.

Conclusión:

Las mezclas realizadas en home studio que se entregan en estudios de mastering tienen errores que pueden ser evitados si se organizara la producción. No se piensa en el producto, se piensa en como sacar el mejor resultado de cada instrumento, cuando el mejor resultado que da cada instrumento es el que se logra en el conjunto de los mismos, lo que define la textura fónica y la dinámica.

No se procesa en la etapa adecuada se deja todo para arreglarlo en el mastering cuando no es la etapa que da los resultados mas optimos en cuanto a correción. Se debe pensar cada etapa por lo que es no adelantarse ni dejar para después. Ej. Si se graba una voz y hay una excesiva cantidad de "s", que se dan en el rango de frecuencias de entre 3KHz a 9KHz aprox. se lo procesa con un deesser en la etapa de grabación, puede hacerse en la mezcla siempre y cuando se tenga la voz grabada separada de los instrumentos (multipista).

No se debe dejar para la etapa de mastering ya que el mastering procesa la mezcla y al utilizar un deesser se estaría afectando todas las componentes frecuenciales de otros instrumentos cerca de esas frecuencias. Lo mismo para todos los instrumentos que comparten componentes en la misma banda del espectro.

La etapa de mastering es solo el último proceso que requiere al técnico en la producción de un disco, esta etapa depende de las anteriores. Los ingenieros de mastering coinciden en la calidad de esta etapa como dependiente de las anteriores. La calidad de sonido de un disco se encuentra en la producción como organización del espectro y del rango dinámico. Lo que nos determina la textura fónica y la dinámica.

3 comentarios:

Excelente entrada, muy completa!

¿Se bancam una crítica constructiva?
Es muy útil este material, así también como otros que leí por acá. Es muy bueno encontrar estos escritos en castellano (y además en argentino).

Mi crítica apunta a que podrían utilizar algún corrector ortográfico para evitar problemas de tildes y faltas (ej: compocición), como también de tipeo.
Sobre todo porque este material es utilizado por muchos estudiantes en universidades e institutos de carreras relacionadas (obviamente también depende del estudiante/docente que consulta el material en repasar la ortografía je...)


Muchas gracias!
Saludos.

José.

Gracias Jose...por supuesto que siempre viene bien una critica constructiva.

En este caso en particular hubo varios errores que las estaremos corrigiendo, la verdad que se nos pasó. En general siempre tratamos de revisar la ortografía.

Gracias nuevamente, saludos!

Magistral! Esto aclara el panorama para muchos estudiantes y musicos quieren hacer las cosas bien! Muy bueno!!!

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